看原作聊摄影(第一季)

内容简介:

课程介绍：      摄影发展到今天不过一百多年的历史，但和其他任何一种艺术一样，摄影也处在不断地变革与发展之中。面对不同时期的摄影作品，我们常常会感到困惑，不知道如何客观地去欣赏、评价它们。 李涛老师和泰吉轩的艺术总监卢骁，将通过对不同时期各类摄影原作的解读，给大家带来不一样的摄影作品赏析。 第一期 曼•雷（Man Ray）           “全民摄影”的时代，各类摄影作品铺天盖地充斥着我们的生活。面对这么多照片，我们该如何判断一张照片的好坏，又怎样客观地去欣赏一幅摄影作品呢？主题有深度、对焦准确、曝光正确、构图合理、色彩真实、后期处理适度……每一张照片都应该用这样的标准来评价吗？ 曼·雷，一个不知疲倦的摄影技术试验家和艺术家，他游戏摄影的态度，离经叛道的做法，使曾经固步自封的摄影界受到了不小的冲击。他打破了原有的摄影规则，他的作品奇特、荒诞又神秘，画面里充满很强的象征性和暗示性，使作品的内涵闪烁而不确定。 即使在今天，我们对曼·雷的作品也存在很大的争议，从表面看来，曼·雷的作品既没有精心设计的光影效果，也没有高超的技术技巧，但事实是怎样的？我们该如何解读曼·雷的作品？又该怎样客观地去欣赏一张照片呢？ 第二期 保罗·卡普尼格罗(Paul Caponigro)        “直接摄影”（Straight  Photography），是摄影史中很重要的一支艺术流派，推崇“直接摄影”的摄影师们将照片本身的语言挖掘到了极致。大名鼎鼎的安塞尔·亚当斯、爱德华·韦斯顿、保罗·斯特兰德就是这一流派的代表人物，他们试图通过照片完美的再现能力将被摄事物本身的迷人魅力淋漓尽致地表现出来。        保罗·卡普尼格罗是老派“直接摄影”的最后一人，在摄影史上他可谓是一个节点性的人物。卡普尼格罗的作品深沉、安静而柔和，我们总能透过他的作品看到被摄事物以外的东西。那我们该怎样去发现、欣赏他作品“背后”的灵性？又该如何理解 “直接摄影”？带着这些问题，让我们一起走进新一期的访谈。 第三期 尤金·阿杰（Eugène Atget）         尤金·阿杰，一个生前得不到世人认可，却对后续摄影流派产生深远影响的摄影师。他将拍摄对象从周围环境中剥离出来，富有超现实意味的拍摄手法得到了超现实主义摄影师曼·雷的推崇；他冷静并富有穿透力的影像对“直接摄影”流派产生了很大的影响；他对现实问题客观、冷静的记录影响了沃克·埃文斯等纪实摄影师。         尤金·阿杰花了近30年时间拍摄了10000余张19世纪末20世纪初巴黎的照片，他将镜头对准了巴黎的每个角落，大到宫殿、花园、街道、商店橱窗、街头涌动的人群，小到喷泉、楼梯、门板、把手。他的作品单纯、直率、客观，作品中的巴黎亦梦亦幻，他把对巴黎的关注和热爱深深地隐藏在巴黎的每一个细节之中。正是这种对真实本身的深刻感受和爱，使他镜头下的巴黎虽然寂静，却更富有魅力，给人带来更多的视觉联想和思考。本期访谈，让我们一起去探寻尤金·阿杰作品背后的魅力。 第四期 爱德华·韦斯顿（Edward Weston）        初看爱德华·韦斯顿的作品，深沉、安静，没有过多的矫作；细细品味，会发现他的作品如同诗歌一般，充满了强烈的隐喻。韦斯顿善于在平凡的事物中挖掘不平凡的美，他将复杂的世界幻化成简单的黑与白，通过纯粹的影调和简单的勾勒，展现出被摄物体的魅力。         韦斯顿的拍摄对象很广，人像、沙丘、石块、贝壳、枯干老树，湖光山色、乃至辣椒、卷心菜，都经常出现在他的作品中。他喜欢用极小的光圈f/64来记录物体，不遗余力地刻画被摄物体的光、色、形、质、纹，描绘那些平凡事物的形态和质感，将它们存于相纸之上。他如同一位面对自然不断探索的哲学家，赋予被摄物体更多的隐喻，给人不可思议的视觉感受，把摄影的魅力提升到了一个新的高度。 第五期 安塞尔·亚当斯（Ansel Adams）           安塞尔·亚当斯（1902-1984）出生于美国旧金山，是20世纪美国乃至世界享有盛名的摄影家。他早期模仿画意摄影，后来为倡导和坚持摄影艺术独立性，离开画意摄影阵营转而走直接摄影道路，并将直接摄影形式发展到极致。         亚当斯将拍摄之前的“预想”，配合后期高超的暗房技术，再巧妙融入自己的艺术思想，创造出影调丰富细腻、令人惊叹的黑白风光摄影作品。此外，亚当斯还是著名的摄影教育家：他发明的区域曝光法，使摄影技法具有可习得性，影响了后世的众多摄影师。         自从1983年亚当斯的原作在中国美术馆展览以来，亚当斯对中国摄影产生了深远的影响。但是当下中国大众摄影中出现大量华而不实的所谓“亚当斯风格”沙龙风光作品，这是源于大众对亚当斯摄影理念及作品的误读？还是自身审美的缺失呢? 如何欣赏亚当斯风光摄影作品，从中感受他的艺术思想

价格:

免费